El teatro: texto dramático y espectáculo

Género: SÍNTESIS (Hegel) de la acción REPRESENTADA. Rasgo específico: la historia se MUESTRA por el diálogo y la acción de los personajes, SIN NARRADOR (vs relato, T37). DOBLE NATURALEZA: TEXTO dramático (virtual, incompleto, nace para la escena) + ESPECTÁCULO (representación plurisígnica). DOBLE ENUNCIACIÓN: interna (personaje↔personaje) y externa (obra→público); el aparte y el monólogo juegan con ella.

Elementos: ACCIÓN (drama = «acción»; regida por el CONFLICTO) → clímax y desenlace; personajes (caracterizados solo por lo que dicen/hacen); TIEMPO (de la representación / de la acción); ESPACIO (escénico / dramático / latente); articulación en actos-cuadros-escenas.

Formas del discurso: DIÁLOGO (parlamentos; esticomitia); MONÓLOGO/soliloquio (personaje solo, revela su interior, roza la lírica); APARTE (al público, los demás no oyen); coro; y las ACOTACIONES/didascalias (única voz directa del autor: orientan la puesta en escena, suplen lo no verbal T4). Conclusión: el texto dramático es bifronte (diálogo para decir + acotaciones para realizar).

Géneros: TRAGEDIA (conflicto grave, héroe frente al destino, catástrofe; Aristóteles: CATARSIS —purificación de compasión y temor—, mythos, HAMARTÍA/hybris, tres UNIDADES); COMEDIA (personajes corrientes, humor, final feliz, crítica); DRAMA/tragicomedia (mezcla, moderno). Subgéneros: auto sacramental (Calderón), entremés, sainete, esperpento (Valle), absurdo.

Espectáculo · semiótica teatral (Kowzan, Ubersfeld, BOBES NAVES, García Barrientos): en la escena TODO SIGNIFICA. El signo teatral es PLURISÍGNICO, EFÍMERO, connotativo. Kowzan: hasta 13 sistemas (ACTOR: palabra, tono, mímica, gesto, movimiento, maquillaje, peinado, vestido / ESPACIO: atrezo, decorado, luz, música, sonido). CÓDIGOS: lingüístico, paralingüístico, kinésico/proxémico (T4), escenográfico, musical. La PUESTA EN ESCENA es la traducción del texto al sistema plurisígnico (el DIRECTOR, coautor). Elementos: actor (central: Stanislavski/Brecht), escenografía, luz, y el PÚBLICO (presencia, comunión, aquí-ahora, efímero). Conclusión: comprender el teatro exige «leer» todos los signos, no solo las palabras.

Evolución: Grecia (culto a Dioniso, coro, máscaras, teatros al aire libre: Esquilo, Sófocles, Eurípides, Aristófanes) → medieval (misterios, autos religiosos) → Siglo de Oro (CORRALES de comedias; Lope rompe las reglas en el Arte nuevo) / isabelino (Shakespeare) → Neoclasicismo (rigor de las 3 unidades) → Romanticismo (drama, mezcla) → CONTEMPORÁNEO: realismo/4.ª pared → BRECHT (teatro épico, DISTANCIAMIENTO para hacer pensar), ABSURDO (Beckett, Ionesco: incomunicación), Artaud, Grotowski (teatro pobre).

Didáctica: género de MAYOR potencial: no solo se lee, se HACE (objeto + método activo). Como objeto: leer obras y VERLAS representadas (comparar montajes; un texto solo leído es partitura sin música). Como método: LECTURA DRAMATIZADA y DRAMATIZACIÓN → desarrollan expresión oral (T31), comunicación no verbal (T4), comprensión, memoria, creatividad y competencias personales/sociales (EMPATÍA, cooperación, desinhibición, gestión emocional). Taller de teatro y representaciones (atienden la diversidad: un papel para cada uno); escribir teatro (T32). Conclusión: el teatro es una herramienta educativa INTEGRAL que forma a la persona entera → abre al ensayo y el periodismo (T40).

En la narrativa hay un narrador, una voz mediadora que CUENTA la historia (y puede describir, valorar, entrar en la mente de los personajes). En el teatro NO hay narrador: la historia se MUESTRA directamente, representada; toda la información surge del diálogo y la acción de los propios personajes. Por eso el dramaturgo solo puede intervenir mediante las acotaciones, y solo en el texto escrito, no en la escena.

En el teatro coexisten la comunicación INTERNA (entre personajes) y la EXTERNA (de la obra al público). El aparte lo evidencia: un personaje dice algo «al público» o «para sí» con la convención de que los demás personajes presentes no lo oyen. El enunciado se dirige hacia la comunicación externa (nos informa a nosotros de lo que el personaje piensa) saltándose la interna. Es un recurso típico de la comedia y muestra que el teatro habla siempre en dos direcciones a la vez.

Porque la representación es un fenómeno PLURISÍGNICO (semiótica teatral): además de la palabra, significan el gesto, el tono, el vestuario, la iluminación, el decorado, la música y la posición en el espacio. Ejemplos: una luz roja puede connotar peligro o pasión; que un personaje quede en un extremo del escenario sugiere su aislamiento; un vestido negro anticipa el luto. El director «traduce» el texto a todos estos códigos, por eso una misma obra admite infinitos montajes distintos.

Stanislavski: el actor debe IDENTIFICARSE con el personaje, vivirlo desde dentro (memoria emotiva) para crear la ilusión de realidad; el espectador se emociona identificándose (teatro realista, «cuarta pared»). Brecht: el actor debe MOSTRAR al personaje con DISTANCIAMIENTO (Verfremdung), sin fundirse con él, rompiendo la ilusión, para que el espectador no se identifique pasivamente sino que mantenga una actitud CRÍTICA y reflexione sobre la realidad social (teatro épico). Dos concepciones opuestas del actor y de la función del teatro.