Nuevas formas del teatro español en la primera mitad del siglo XX. Valle Inclán. García Lorca

1. La raíz: el teatro es un negocio

A diferencia de la novela o el poema, el teatro necesita empresario, actores, local y, sobre todo, un PÚBLICO que pague la entrada. Ese público, en la España del primer tercio de siglo, era una BURGUESÍA conservadora que iba a divertirse y a verse halagada, no a ser inquietada. El empresario, que arriesgaba su dinero, daba al público lo que pedía; y así el teatro se volvió el género más RUTINARIO y menos permeable a la renovación, justo cuando la poesía (el 27) y la novela se transformaban.

2. Las dos caras

(1) Un teatro COMERCIAL que triunfa pero apenas se renueva: la COMEDIA burguesa de Benavente (Nobel 1922), el TEATRO POÉTICO en verso (Marquina, los Machado) y el TEATRO CÓMICO (Álvarez Quintero, Arniches, Muñoz Seca). (2) Un teatro RENOVADOR que ensaya «nuevas formas» pero que, atado el género al negocio, casi no se estrena: el de los intelectuales (Unamuno, Azorín), el de la vanguardia y el 27 (Alberti), el de humor (Jardiel, Mihura) y, sobre todos, las dos cimas: VALLE-INCLÁN y GARCÍA LORCA.

3. El sentido de «nuevas formas»

Las «nuevas formas» son el esfuerzo de RENOVACIÓN frente al teatro comercial: un teatro de ideas, poético, simbólico y vanguardista, a la altura de Ibsen o Pirandello. Lo hicieron, sobre todo, Valle (el esperpento) y Lorca (la tragedia poética), pero, faltos de escena, escribieron muchas veces para ser leídos más que representados: a sus dramas más audaces el propio Lorca los llamó «teatro imposible».

Temas implicados: 65 (el teatro 1.ª mitad s. XX), 61 (el 98 y el Modernismo), 63 (el grupo del 27), 70 (el teatro desde 1940).

1. Valle-Inclán y el esperpento

Ramón M.ª del Valle-Inclán (1866-1936) evoluciona del Modernismo a la DEFORMACIÓN grotesca, por tres ciclos: el MÍTICO (las «Comedias bárbaras»; «Divinas palabras», 1920), el de la FARSA y el del ESPERPENTO. Este último, su gran invención, mira la realidad española por un ESPEJO CÓNCAVO que la vuelve grotesca; formuló la teoría en «Luces de bohemia» (escena XII). Rotuló cuatro esperpentos: «Luces de bohemia» y los tres de «Martes de Carnaval» (1930).

2. Lorca y la tragedia poética

Federico García Lorca (1898-1936) crea la gran tragedia moderna: el DESEO —encarnado en una MUJER— frente a la autoridad, el honor y la muerte. De las farsas y el «teatro imposible» (El público) pasa a las tragedias rurales: «Bodas de sangre» (1933), «Yerma» (1934) y «La casa de Bernarda Alba» (concluida en 1936). Funde verso y prosa, y un rico mundo de símbolos (la luna, el agua, el caballo).

3. El paralelo

Ambos renuevan la escena, ambos apenas estrenan en vida, ambos mueren en 1936 (Valle de enfermedad en enero; Lorca asesinado en agosto). Pero se oponen en el TONO: Valle deforma la realidad hasta la MUECA (la sátira feroz de España); Lorca la eleva a la TRAGEDIA poética (la mujer, el deseo, la muerte). Grotesco frente a sublime. 🔎 Trampas: «Divinas palabras» NO es un esperpento (es del ciclo mítico); «Luces de bohemia» es de 1920 (12 escenas) / 1924 (15); «Bernarda Alba» se subtitula «drama», no «tragedia», y se estrenó póstuma en 1945.

Temas implicados: 65 (el teatro 1.ª mitad s. XX), 61 (Valle-Inclán prosista, el 98), 63 (Lorca poeta, el 27), 70 (el teatro de posguerra).

1. Anclaje curricular

🔎 Verificado línea a línea en el BOE (RD 243/2022, LCL II): la educación literaria organiza la lectura de «obras del último cuarto del s. XIX y de los siglos XX-XXI, en itinerarios temáticos o de género, en torno a TRES EJES: (1) la Edad de Plata (1875-1936); (2) la guerra civil, el exilio y la dictadura; (3) la literatura contemporánea». El teatro de Valle y Lorca entra de lleno en los dos primeros ejes. 🔎 El decreto ancla esos ejes pero NO nombra autores: «el teatro lorquiano» y la lectura obligatoria de «La casa de Bernarda Alba» son de las orientaciones AUTONÓMICAS y de la PAU (p. ej., Andalucía). Distinguir el RD (ejes) de las comunidades (autores y lecturas) es un punto de rigor.

2. Secuencia de actividades

1. Contextualizar. La España rural, el papel de la mujer y la honra; el teatro como negocio y las «nuevas formas».
2. Leer la obra completa, repartiendo los papeles: es breve, intensa y de temas hondos.
3. Analizar los personajes (Bernarda, las cinco hijas, la Poncia, María Josefa), los símbolos (el bastón, el caballo, el color, el calor) y la tensión creciente hasta el desenlace.
4. Dramatizar una escena y comparar dos MONTAJES grabados: el teatro no es solo texto, sino puesta en escena.
5. Debatir la vigencia del tema (la libertad, la represión de la mujer) y «esperpentizar» una escena cotidiana para entender a Valle.

3. Evaluación y valores

Evaluación competencial: reconocer las tendencias y sus autores, situar una obra, analizar un fragmento e interpretar sus símbolos. Educación en valores: la «Bernarda Alba» abre el debate sobre la represión de la mujer y la libertad (perspectiva de GÉNERO), y la figura de Lorca —perseguido y asesinado— es una lección de MEMORIA DEMOCRÁTICA. El cine y las adaptaciones acercan la obra al alumnado. 🔎 Trabajarlo con rigor, sin atribuir al decreto lo que es autonómico.

Temas implicados: 65 (el teatro 1.ª mitad s. XX), 35 (didáctica de la literatura), 63 (Lorca y el 27), e Historia (la Edad de Plata, la Guerra Civil).

El ESPERPENTO es la invención de Valle-Inclán (h. 1920): una estética de la DEFORMACIÓN sistemática de la realidad —y en especial de la realidad ESPAÑOLA— a través de un ESPEJO CÓNCAVO que la vuelve grotesca. Valle formuló la teoría DENTRO de «Luces de bohemia», en la ESCENA XII, por boca del poeta ciego Max Estrella (trasunto de Alejandro Sawa), aludiendo a los espejos deformantes del callejón del Gato de Madrid: «El sentido trágico de la vida española solo puede darse con una estética sistemáticamente deformada».

🔎 «Luces de bohemia» apareció por entregas en la revista «España» en 1920 (12 escenas) y en libro en 1924 (que añade 3 escenas, hasta 15). Valle rotuló como «esperpentos» solo CUATRO obras: esta y las tres de «Martes de Carnaval» (1930): «Los cuernos de don Friolera», «Las galas del difunto» y «La hija del capitán». El título «Martes de Carnaval» alude a MARTE (dios de la guerra), no al día. 🔎 «Divinas palabras» (1920) NO es un esperpento, sino una «tragicomedia de aldea» del ciclo mítico.

La cima del teatro de Lorca son sus dramas rurales, de tema ANDALUZ y protagonista FEMENINA: «Bodas de sangre» (1933, inspirada en el «crimen de Níjar»; la Novia huye con Leonardo y los dos hombres se matan; aparecen la Luna y la Muerte); «Yerma» (1934, la mujer que ansía ser madre y, al no lograrlo, estrangula a su marido); y «La casa de Bernarda Alba» (concluida en 1936), donde Bernarda impone a sus CINCO hijas un luto de OCHO AÑOS y Adela, rebelde por el deseo (Pepe el Romano), se ahorca.

🔎 Todas comparten una estructura: una fuerza instintiva (el amor, el ansia de maternidad) choca con una norma social rígida (el honor, el «qué dirán») y estalla en violencia. 🔎 «Bernarda Alba» se subtitula «Drama de mujeres en los pueblos de España» —«drama», no «tragedia»— y se estrenó PÓSTUMA en 1945 en Buenos Aires; su última réplica es «¡Silencio, silencio he dicho! ¡Silencio!». La trilogía trágica (con Bodas y Yerma) quedó incompleta.

Una de las renovaciones llegó por el HUMOR. Un grupo de autores —Enrique JARDIEL PONCELA, Miguel MIHURA, Edgar Neville, «Tono»— cultivó una comedia de humor INVEROSÍMIL, absurdo y poético, muy distinta del astracán, que anticipa el teatro del absurdo europeo. Se los ha llamado «la otra generación del 27» (la del humor). Jardiel ensayó tramas fantásticas («Eloísa está debajo de un almendro», 1940); y Mihura escribió la obra maestra del grupo, «TRES SOMBREROS DE COPA».

🔎 «Tres sombreros de copa» es el caso más célebre del «teatro imposible»: Mihura la ESCRIBIÓ en 1932, con una modernidad tan adelantada que nadie quiso estrenarla, y no se ESTRENÓ hasta 1952 (un teatro universitario). No fecharla solo en uno de los dos años. 🔎 No confundir este «teatro imposible» de Mihura con el «teatro imposible» de Lorca («El público»): el rótulo se aplica, en sentido amplio, a todo el teatro irrepresentable en su tiempo.

El teatro de éxito se agrupa en tres vías, todas conservadoras. (1) La COMEDIA burguesa de Jacinto BENAVENTE (1866-1954, Nobel 1922), que renovó el drama efectista de Echegaray con una comedia elegante e irónica; su obra maestra, «Los intereses creados» (1907). (2) El TEATRO POÉTICO en verso, histórico y evasivo, de Eduardo MARQUINA («Las hijas del Cid», 1908) y los hermanos Machado. (3) El TEATRO CÓMICO: los Álvarez Quintero (sainete andaluz), Arniches (la «tragedia grotesca», «La señorita de Trevélez», 1916) y Muñoz Seca (el «astracán», «La venganza de don Mendo», 1918).

🔎 No intercambiar los géneros de los cómicos: ÁLVAREZ QUINTERO = sainete andaluz amable; ARNICHES = sainete madrileño y tragedia grotesca (risa con crítica social); MUÑOZ SECA = astracán (comicidad disparatada, juego de palabras). 🔎 «Las hijas del Cid» de Marquina es de 1908 (de 1910 es «En Flandes se ha puesto el sol»). Es el teatro de calidad pero rutinario sobre el que destacan, por contraste, las «nuevas formas».